Cinéma

L’Académie des Parapluies

Il m’arrive rarement de faire des articles sur des séries ou des films proposés par Netflix et lorsque c’est quand même le cas, c’est souvent parce que je peux faire une comparaison entre le média de base et l’adaptation cinématographique que propose la plateforme. Cette fois-ci ce n’est pas le cas, bien qu’il s’agisse d’une adaptation de la BD de Gerard Way et Gabriel Bà. Mais disons que cette fois, j’ai (beaucoup) de choses à dire sur la série elle-même. Passons donc à ma review de la toute nouvelle série de Netflix : Umbrella Academy.

Une saison 1 qui va crescendo

Comme je le disais dans ma (très brève) introduction, cette série est en fait une adaptation de la bande dessinée du même nom, signée par Gerard Way et Gabriel Bà, qui présente des super-héros complètement désaxés qui doivent sauver le monde. Ca, c’est pour la vue d’ensemble ; dans le détail ça donne ceci : en Octobre 1989, 43 femmes ont donné naissance à autant d’enfants dotés de capacités hors du commun. Sir Reginald Hargreeves est un chercheur (un scientifique) qui se montre très intéressé par ces enfants particuliers et il parvient à adopter sept d’entre eux. A la suite de quoi, il fonde l’Umbrella Academy, une sorte de Justice League en culotte courte. Mais en grandissant, le groupe se scinde et finit par être dissout naturellement.

Un peu de fraicheur dans un schéma classique

C’est ce qui est intéressant avec cette série en fait : une fois adultes, tous ces gamins dotés de super-pouvoirs ont tous plus ou moins mal tournés et ils sont tous désaxés et marginaux. En règle générale c’est assez rare de voir quelque chose comme ça dans un monde de super-héros. Cela m’a fait penser aux enfants-star qui ne sont plus rien une fois devenus adultes ou adolescents (lorsque cela est subit bien sûr). Dans un sens, cela rend cette bande de bras cassés hyper attachante en fin de compte et la narration marche plutôt dans le bon sens puisque certains d’entre eux sont de vraies têtes à claques au début de la série.

Cependant, on ne sort pas totalement du schéma classique : nos (anti) héros doivent sauver le monde de l’Apocalypse qui aura lieu dans huit jours (c’est annoncé d’emblée dans la bande-annonce). Oui rien que ça, et quand tu as grandi en ayant une enfance un peu traumatisante sur les bords, que cela fait 13 ans environ que tu n’as pas eu de nouvelles de tes frères et sœurs et que quasiment du jour au lendemain, tu te retrouves à « travailler » de nouveau avec eux alors que tu faisais cavalier seul, éviter la fin du monde c’est des cacahuètes à côté. Un jeu d’enfant, vraiment ! Sans oublier certains classiques propre au genre ou aux séries, mais je vais y revenir plus tard*.

Une saison très (trop ?) inégale

Si l’épisode pilote était plutôt sympa à regarder, j’aimerais pouvoir en dire autant des deux épisodes suivants : c’était lent, c’était chiant (malgré de l’action et un peu de suspense)… Bref, je me suis ennuyée et j’ai pris mon mal en patience, en espérant que les choses s’améliorent un peu, histoire que je rentre véritablement dedans… Et le miracle s’est produit à la fin de l’épisode 4 (au bout de 4 heures de visionnage). Tant mieux pour Netflix, tant mieux pour cette série et les acteurs qui jouent dedans.

Si je devais retenir deux points absolument négatifs, ce serait cette lenteur à intéresser le spectateur : 3 épisodes d’une heure chacun, c’est long (j’exclue volontairement l’épisode pilote, toujours bien foutu puisqu’il faut qu’il donne envie d’en voir plus). Néanmoins cela s’explique peut-être par la présence de 5 réalisateurs et pas moins de 8 scénaristes sur les 10 épisodes que compte cette première saison. Heureusement que l’ensemble est cohérent parce que sinon quel échec cuisant pour Netflix, et plus généralement les auteurs de la BD…

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J’aurais pu décrocher facilement je crois, mais de façon très surprenante, je suis restée scotchée devant mon écran : dix épisodes d’une heure chacun, deux jours. Qui dit mieux ? Habituellement, c’est une chose dont j’ai horreur le binge-watching. Quant à savoir si cette série méritait un tel traitement… potentiellement non. Mais OUI pour la musique ! C’est là qu’on sent l’influence que Gerard Way a pu avoir en tant que producteur exclusif de la série. La musique sauve le reste et je pense que c’est pour cette raison que je suis restée plantée devant mon écran – elle offre à la série ce côté complètement décallé, à la limite de l’absurde que j’adore (quand il est bien amené) et qui est souvent difficile à atteindre.

Concernant les acteurs, j’en connaissais quelques uns mais la majorité était de parfaits inconnus, pour moi en tout cas, mais je peux citer Ellen Page, Kate Walsh, Mary J. Blige (qui est chanteuse à la base) et Robert Sheehan, tous excellents dans leurs rôles respectifs.

Conclusion

Umbrella Academy est une série intéressante qui traite un peu différemment d’un sujet travaillé et retravaillé avec des thématiques de fond passionnantes mais qui sur la forme ne parvient pas à écarter certains clichés et cela peut devenir lourd et redondant. Elle arrive pourtant à casser certains codes de la mythologie du super-héros et c’est plutôt bien fait puisque cela permet d’aborder ces thématiques (rejet, exclusion, acceptation de soi) chères au créateur d’origine. Il y a aussi la dimension musicale à prendre en compte parce que les différentes musiques qui forment la bande-son, stratégiquement placées, apportent un côté décalé et inattendu à certaines situation, ce qui fait que la série est somme toute assez drôle et sympa à regarder.

Toutefois au terme de cette saison 1, Umbrella Academy n’est pas franchement convaincante à cause de ces longueurs précédemment évoquées qui cassent le rythme de certains épisodes les rendant clairement indigestes. *Sans oublier que certains clichés au niveau des personnages sont gros comme une maison ; pourquoi le seul représentant de la communauté LGBT est un tel cliché de tout ce qu’il y a de pire lorsqu’on veut caricaturer un homosexuel ?! Sérieux ! Mais… Mais ! Par chance, tous ces clichés s’estompent progressivement avec l’évolution de chaque personnage. Ainsi toutes choses considérées, je pense qu’il faut laisser l’Academy faire ses preuves dans une deuxième saison afin de transformer l’essai, en gommant ce qui peut l’être.

Note : Gerard Way est le fondateur/chanteur du groupe de rock alternatif My Chemical Romance. Le groupe s’est séparé en 2013 après 12 ans de bons et loyaux services.

Article rédigé le 21/02/19

Cinéma

‘Cause it’s a long way to go…

Il y a des films qui se méritent autant qu’ils s’apprécient. Il va sans dire que My Beautiful Boy de Felix van Groeningen avec Steve Carell et Timothée Chalamet dans les rôles principaux. Je voulais le voir parce que j’étais sûre de mon choix, sûre que j’allais adorer ce film. Le verbe adorer est un peu trop fort pour le coup, mais j’ai beaucoup, beaucoup, beaucoup aimé. Mon instinct se trompe rarement : une petite pépite de perfection tout en émotions.

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En réalité, j’ai ressenti ce film comme étant parfait à cause de la justesse des émotions qui le traverse. C’est vraiment un film qui m’a bouleversé et va me marquer pendant longtemps : je pense que je m’en souviendrai sans avoir besoin de relire cet article. Je savais d’avance que ce serait un film dur et poignant – c’est presque toujours le cas lorsqu’il est question de drogues, peu importe laquelle il est question, parce que c’est un sujet violent et dur à aborder et le plus dur, c’est de raconter une histoire en évitant les clichés.

Inutile de vous dire que le pari est tenu pour le réalisateur. Certes, je m’attendais à un film poignant mais je ne m’attendais à ce qu’il déborde de tendresse ; je m’attendais à de l’amour et à de la tendresse comme on en voit dans toute relation parents/enfant mais là, Steve Carell, qui interprète David Sheff, y est désarmant de tendresse et ça m’a bouleversée, et je me suis accrochée à cela tout au long du film. Timothée Chalamet n’est pas en reste d’ailleurs, aussi solaire dans son sourire que crépusculaire dans sa détresse de junkie paumé, il est flamboyant et irradie le film du début à la fin.

Et puis surtout il y a cette relation fusionnelle entre un père et son fils qui oscille entre les moments de joie intense et la désillusion et le désespoir que cause la drogue de part et d’autre ; cette relation et ce lien père/fils sont  un peu à l’image de la chanson qui donne son titre à ce film : Beautiful Boy, composée par John Lennon pour son fils Sean, à la fois rassurante et lancinante presque douloureuse.

J’ai beaucoup, beaucoup aimé également le traitement de l’image et de la lumière, plus ou moins lumineux selon ce que cela traduisait des personnages sans qu’ils aient forcément besoin de l’exprimer. On comprend et c’est d’autant plus puissant à regarder. Les plans « saccadés » par exemple, expriment soit le bordel dans la tête et dans la vie de ce pauvre Nic Sheff ou bien le parallèle entre le père et le fils, qui sont à l’opposés l’un de l’autre. Pour des raisons évidentes, les gros plans ou les plans rapprochés sont également très utilisés afin de permettre au spectateur de se représenter l’étendue et la force de la relation entre David et Nic, si le spectateur avait besoin de plus d’explications…

Néanmoins petit bémol : j’ai trouvé la mère de Nic, Vickie, très en retrait et presque passive dans l’épreuve que traverse son fils mais c’est vrai qu’étant une histoire vraie et racontée du point de vue de père et fils, le rôle de la mère parait un peu anecdotique, d’autant que le personnage n’arrive physiquement qu’assez tardivement dans le déroulement du film. Sans oublier qu’en réalité, la mère de Nic a peut-être eu beaucoup de mal à accepter et à comprendre ce qui se passait. Ce sont des suppositions mais il faut bien reconnaitre que ce film n’a pas beaucoup de personnages féminins forts et avec du caractère – l’exception à cela est à trouver chez la deuxième épouse de David Sheff et même si ce n’est pas le sujet du film, ça fait toujours plaisir de voir qu’il y a au moins une femme qui tient la route dans un film centré sur deux hommes (bien que le film soit tendre au possible).

Conclusion

My Beautiful Boy fait partie de ces pépites indépendantes qu’il faut voir au moins une fois dans sa vie et qui marque le spectateur. L’histoire et le sujet abordé sont certes très sombres mais cette relation profonde père/fils le rend chaleureux et lumineux et c’est aussi un film très humain et optimiste d’une certaine façon pour cette raison précise. Steve Carell et Timothée Chalamet y sont simplement fantastiques et emportent le spectateur dans des émotions fortes, souvent contradictoires, mais ce n’est jamais larmoyant ou pathétique (dans le sens de pathos) : pas besoin de mouchoirs pendant ou à la sortie de la salle. Malgré tout, c’est un film à digérer… comme souvent les merveilles.

Cinéma

Un amour de Dragon

A défaut de My Beautiful Boy de Felix van Groeningen (sorti pourtant la semaine dernière mais déjà plus diffusé dans le ciné proche de chez moi ; je ne ferai aucun commentaire à ce sujet mais je n’en pense pas moins)… j’ai reporté mon choix sur Dragons 3 : le monde caché qui clôt avec justesse une aventure commencée il y a presque 10 ans. Et ma foi, pour un second choix c’était plutôt pas mal. Mais cela reste un second choix donc ne vous attendez pas à un article euphorique de ma part.

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Nous retrouvons donc Harold et Krokmou (et le reste de leur amis) un an environ après les évènements du deuxième volet et dans lequel Harold tente de trouver sa place dans sa communauté en tant que chef du village de Beurk et le moins que l’on puisse dire c’est que ce n’est évident… Heureusement dans cette tâche, il est aidé par sa mère, Valka, et secondé par sa fiancée, Astrid. Néanmoins lorsque la sécurité du village et celle des dragons sont menacées par les activités pourtant nobles de Harold, ce dernier est obligé de prendre des décisions radicales et prouver qu’il a l’étoffe d’un chef de clan, même si cela veut dire se séparer de ce qu’il aime le plus au monde…

C’est un bon film d’animation ; d’ailleurs l’animation est toujours aussi splendide à regarder : une vraie merveille à certains moments (notamment le monde caché justement) et c’est vrai qu’on en prend plein les yeux pendant toute la durée du film. Cependant, cet opus m’a un tout petit peu moins emballé ; pourtant il n’y a pas de faiblesse au niveau de l’histoire : on retrouve les principaux personnages et leurs caractéristiques ainsi que de légères pointes d’humour. Le tout tient la route mais je crois que j’aurais aimé un méchant avec un peu plus de profondeur et un peu plus coriace du coup… Je n’ai pas trouvé Grimmel le Grave très convaincant, moi qui m’attendait à une fin ou une confrontation en apothéose pour Harold et Krokmou. Dommage !

Sinon pour le reste j’ai beaucoup aimé voir Krokmou tomber amoureux et s’émanciper progressivement, tout en continuant d’être fidèle à son ami – après tout c’est la Saint Valentin aujourd’hui, il faut bien parler un peu d’amour, même chez les dragons ! Et puis mine de rien Harold aussi est touchant dans ses questionnements et ses tâtonnements en tant que chef de village, mais heureusement qu’il est entouré de femmes fortes sinon il n’irait pas bien loin le p’tit !

Voilà, c’est tout ce que je peux vous dire sur ce film sans vous en dévoiler d’avantage. J’ai passé un bon moment au ciné, devant un film dont les animations sont superbes et soignées mais qui m’a laissé sur ma faim quant au grand méchant que je n’ai pas trouvé d’envergure pour conclure une aventure comme celle-ci, qui finit pourtant sur une note d’émotion touchante mais un peu trop convenue à mon goût.

Littérature

[Jeunesse] [Découverte] Le Chant des ronces – Contes de minuit et autres magies sanglantes; Leigh Bardugo

D’aussi loin que je me souvienne, j’ai toujours aimé les contes (en témoigne ma désastreuse expérience lors de Noël dernier), qu’ils soient pour enfants ou pour adultes ; peut-être parce qu’ils reflètent la complexité de l’âme humaine tout en étant très simples, avec d’un côté les sentiments les plus nobles et de l’autre, les pires atrocités et les pires pulsions qui existent. En tout cas, il y a quelque chose de fascinant dans les contes. Cela vient probablement du fait que ces histoires sont d’abord faites pour être racontées avant d’être écrites et de ce fait, les contes font marcher l’imagination de l’auditeur à plein régime. Puis progressivement, le conte s’est figé dans une forme écrite, à la faveur de l’invention du livre et de l’imprimerie. Néanmoins, le recueil de contes occupe une place à part au milieu des autres ouvrages littéraires.

C’est justement un de ces ouvrages que je vous présente aujourd’hui : un recueil de contes écrits par Leigh Bardugo et superbement illustrés par Sara Kipin. En outre, rien que le livre (l’objet) en lui-même est une petite merveille : la couverture est solide et imite un genre de tissu brodé avec des dorures, les pages donnent l’impression d’être également reliées à la tranche par du tissu ; l’illusion d’avoir un livre ancien entre les mains est presque parfaite et conditionne déjà le lecteur – il s’apprête à lire quelque chose d’unique et son temps de lecture sera précieux. Personnellement, il ne m’en faut pas bien plus pour m’embarquer…

Couverture Le Chant des Ronces
Photo prise et retouchée par mes soins

Parfait pour rentrer dans l’univers de Leigh Bardugo

Je ne connaissais pas Leigh Bardugo avant de lire son recueil mais je sais qu’elle est l’auteur de la trilogie Grisha et de la duologie Six of Crows pour avoir aperçu les ouvrages en question en librairie. Les deux s’adressent à un public adolescent, à partir de 13 ans. Il en va de même pour le recueil de contes qui est indépendant du reste et cela constitue une belle porte d’entrée à  un énième univers de Fantasy qui semble être assez riche et très fouillé (de ce que j’ai pu lire pour préparer cet article), suffisamment en tout cas pour que Netflix s’y intéresse… Affaire à suivre donc.

Cependant, je ne pense pas lire le reste de ses travaux, à moins qu’ils ne soient disponibles à la médiathèque. Pour revenir au recueil de contes, j’ai adoré et c’est véritablement un coup de cœur inattendu, bien que je ne fasse pas partie du public cible.

Certains contes sont totalement inventés et d’autres sont inspirés par des contes bien connus, tels que Hansel & Gretel, Casse-noisette ou bien encore La Petite Sirène. Le point fort de tous ces contes, c’est qu’ils sont inattendus : aucun d’eux ne commence par la sempiternelle formule « Il était une fois » et aucun ne se termine par « Ils vécurent heureux et eurent beaucoup d’enfants« , ce qui est plus qu’appréciable et donne parfois une atmosphère bien plus sombre et inquiétante à l’histoire. A ce propos, les princesses ne sont pas en détresse, les princes (quand il y en a) ne sont pas présentés sous leur meilleur jour et le méchant n’est souvent pas celui auquel on pense en premier… Sans oublier que ces contes sont magnifiquement illustrés par des illustrations qui se déclinent dans des camaïeux de bleu, de rouge et de rose ; elles suivent le cheminement des différentes histoires de façon tout à fait originale et cela apporte une autre dimension aux contes et renforce également leur côté merveilleux.

Conclusion

Le Chant des ronces – Contes de minuit et autres magies sanglantes a été une révélation pour moi, malgré son appartenance à la littérature Jeunesse. C’est incontestablement un de mes coups de cœur pour cette année 2019. Les six contes présentés sont rafraichissants et novateurs, tout en reprenant certains codes du conte présents depuis des millénaires. Par ailleurs, les histoires sont de qualité égale et il m’a été très difficile de choisir un favori parmi les six. Je n’ai qu’un conseil à vous donner : lisez le recueil et choisissez par vous même… Excellent moment garanti.

Cinéma

De l’hypocrisie en Amérique

Je rassure tout le monde, je ne vais pas me lancer dans un essai ou une dissertation de philosophie de 3 heures sur le sujet, encore qu’il y ait des choses à dire sur le sujet… mais ce n’est pas mon propos ici. Je voulais juste partager avec vous mon dernier coup de cœur cinématographique dont le sujet de fond est justement l’hypocrisie ouvertement assumée par l’Amérique dans les années 1960.

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Green book : Sur les routes du Sud

Le film raconte l’histoire vraie (mais sûrement un peu arrangée pour les besoin du film), de Donald Shirley et Antony Vallelonga dit Tony Lip (traduit en français par Tony la Tchatche). Dans le détail, nous sommes à New York en 1962, Tony vit de magouilles et de débrouille suite à la fermeture temporaire du Copacabana, club de Jazz où il travaille en qualité de serveur/videur, jusqu’à ce que Donald « Docteur » Shirley, pianiste noir de génie l’engage pour qu’il devienne son chauffeur/garde du corps sur la prochaine tournée du pianiste qui se rend dans les Etats sudistes et ségrégationnistes. Un voyage à hauts risques pour le pianiste et pour Tony qui a besoin d’argent pour nourrir sa famille et qui devra mettre ses préjugés de côté…

Un petit bijou, comme à chaque fois avec Viggo Mortensen

Peter Farrelly signe un petit bijou. Bijou en lice pour le Meilleur film à la 91ème Cérémonie des Oscars et c’est mérité ; je ne sais pas s’il sera primé mais en tout cas, j’ai trouvé le film génial avec une belle histoire avec de la profondeur et je n’en attendais pas moins d’un film avec à l’affiche Viggo Mortensen et Mahershala Ali. C’est intelligent, bien raconté, joué à la perfection et avec justesse et les thèmes abordés résonnent encore de nos jours malheureusement…

J’ai adoré voir l’évolution et la progression du personnage de Viggo Mortensen qui blanc, d’origine italienne et vit dans cette communauté très soudée à New York. Il est également un peu ignare et beaucoup de choses sont des machins, des trucs et sa culture est populaire comme en témoigne ses goûts pour la musique de l’époque : le Jazz. Dernière chose, Tony est ce que je qualifierais de raciste par ignorance, du moins au début du film.

Docteur Shirley, lui, est l’exact opposé : noir, cultivé (Docteur en musique, en psychologie et en Arts lithurgiques et il parle plusieurs langues dont le russe et l’italien), pianiste de génie ; il subit de plein fouet la ségrégation dans les Etats du Sud en place à l’époque alors même que l’élite blanche de ces mêmes Etats se presse dans les lieux où le pianiste se produit. L’Amérique de l’époque était en pleine schizophrénie (c’est toujours le cas à propos) : les gens venaient voir le pianiste avec son trio, cependant une fois le concert terminé, il « redevenait » Donald Shirley, persécuté pour sa couleur de peau et devait se rendre dans les lieux autorisés pour lui. A cet effet, le Negro Motorist Green Book (le guide de l’automobiliste Nègre) recensait les lieux publics où les personnes de couleur ne risquaient rien et étaient autorisés, à l’époque des Lois Jim Crow (qui permettaient la ségrégation). Le Green Book a été publié entre 1936 et 1966.

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Conclusion

C’est un film fort et puissant de par les thèmes traités servi par deux acteurs extraordinaires, sans oublier une musique sublime et grandiose. Malheureusement, il y a une polémique qui est née sur le net à cause de certaines déclarations des membres de la famille Shirley qui accusent les scénaristes et le réalisateur (blancs) d’avoir trop romancé la vie du Docteur Shirley et d’avoir un point de vue blanc et donc condescendant sur les Noirs. En conséquence de quoi, ils ont appelé au boycott du film.

Pour avoir vu le film, je ne trouve pas que le film soit spécialement condescendant vis-à-vis d’une communauté ou d’une autre ; ce que je reconnais, c’est que la profondeur de la relation entre Tony Lip et le Docteur Shirley n’était probablement pas comme présentée dans le film mais c’est le travail Hollywood de raconter des jolies histoires, et elles sont d’autant plus jolies lorsque ces mêmes histoires sont joliment interprétées et n’épargnent personne. De mon point de vue, cette polémique n’a pas lieu d’être et la famille Shirley cherche juste à faire parler d’elle alors que le film et ses acteurs principaux sont dans la course pour les Oscars 2019.

Cinéma, Littérature

[Découverte] [Contemporain] Parfaite (You) Caroline Kepnes

Au risque de vous gaver avec un article supplémentaire sur le sujet, je m’en vais vous parler du phénomène Parfaite (You en anglais) de Caroline Kepnes. Je parle bien de phénomène puisque le livre a été publié en 2012 et était passé un peu inaperçu à l’époque… mais cela, c’était avant. Avant 2018 et Netflix ! Jackpot pour Caroline… Et on n’oublie pas de remercier la plateforme pour le petit coup de pouce sur les ventes du livre surtout !…

Ma rencontre avec Parfaite, le livre

Si je suis légèrement amère c’est parce que Parfaite est typiquement le livre qui rentre dans deux catégories (exclusive l’une de l’autre) : l’achat hasard – qui peut potentiellement débouché sur un truc, que l’expérience de lecture soit bonne, excellente ou au contraire simplement horrible… mais c’est le jeu lorsqu’on achète ses livres au hasard (comme il m’arrive de le faire parfois) – ou l’autre catégorie qui s’offre à vous c’est celle du non-achat – ces livres qui sont là mais que vous n’achèterez pas pour tout un tas de raisons.

Parfaite rentre dans cette seconde catégorie : rien ne me prédestinait à cet achat. Ni la couverture (très moyenne et pas du tout vendeuse selon moi) ni le résumé en quatrième de couverture (d’une médiocrité alarmante, genre : « il faut bien mettre quelque chose et cela fera l’affaire »). Bref, je suis passée à deux doigts d’ignorer complètement ce livre et son auteur et ma vie aurait continué comme si de rien n’était, dans une jungle littéraire luxuriante… C’était sans compter Joe Goldberg qui avait une histoire à raconter, la sienne et à qui Netflix a fait le plus beau cadeau qui soit : un corps, une incarnation afin qu’il devienne le nouveau porte-étendard du catalogue 2018-2019. Et le moins que l’on puisse dire, c’est que cela a fonctionné ; peut-être même au-delà des espérances de Caroline Kepnes… Mais ce qui compte au fond, c’est bien que j’ai fini par faire la connaissance de Joe, personnage trouble et complexe comme j’en croise rarement et à qui l’on parvient à s’attacher malgré tout. Pour autant, je ne qualifierai pas cette lecture d’agréable ; il est quand même question d’un psychopathe qui épie le moindre fait et geste d’une fille pour qui il a eu le coup de foudre, sous couvert de recherche du Grand Amour… Et comme il est également narrateur de cette histoire, Hashtag NoFilter, eh bien être dans la tête d’un psychopathe n’est pas spécialement agréable. Cela dit, la lecture n’en reste pas moins fascinante, sans être totalement dérangeante non plus, auquel cas vous comme moi lâcherions le livre en cours de route. Ce n’est pas le cas – Parfaite n’est pas un livre qu’on lâche.

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Il s’agit presque d’un tour de force de la part de Caroline Kepnes, pour ne pas dire un tour de magie. Elle arrive à rendre un psychopathe (la dernière personne que vous souhaiteriez croiser dans toute votre vie) abordable voire même sympathique à certains égards : Joe est un libraire charismatique, un peu taciturne et complètement déphasé avec son époque (il n’est sur aucun réseau social, bien qu’il sache s’en servir à la perfection afin de trouver ce qui l’intéresse)… Un peu old school mais pas trop, charmant, un peu de désuétude dans le vocabulaire, une culture littéraire et cinématographique dont je rêve mais surtout une intelligence stupéfiante et d’une logique aussi imparable que diabolique ; voilà comment définir notre protagoniste narrateur. Inutile de vous dire comment tout cela se termine parce que de toute façon, on sent dès le départ que cette histoire « d’amour » va mal finir… Vous connaissez la chanson, n’est-ce pas ? Eh bien Parfaite c’est tout-à-fait cela : une histoire d’amour non-conventionnelle qui ne finit pas bien. Néanmoins il est probable que vous restiez sur votre faim/fin à la dernière page du roman ; il se peut que vous ayez l’impression de sauter du train en marche… mais non, il n’y a rien de plus pour nous pauvres lecteurs déboussolés. Les joies des fins ouvertes !

You, la série : Adaptation fidèle et réussie ?

Comme mentionné plus haut dans l’article, j’ai fait la connaissance de Joe et Beck par l’intermédiaire de Netflix et heureusement que cela est arrivé dans ce sens et pas l’inverse. Rien que la bande-annonce vaut le coup d’œil : elle est très bien réalisée, très soignée et intrigue tout de suite le spectateur. En même temps c’est un peu le but de l’existence des bandes annonces, non ? Le problème c’est que ce n’est pas toujours une réussite mais c’est un autre sujet. Quoiqu’il en soit cette série a passé ce premier test de la bande-annonce haut la main, et c’est un bon début. Ensuite, les choses se corsent un peu pour Joe, Beck et les autres…

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J’aimerais vraiment être ultra positive quant à cette adaptation mais il y a quelque chose qui me gêne pour apprécier pleinement cette série. J’ai souvent entendu dire que pour qu’une adaptation cinématographique soit réussie, il fallait qu’elle reste fidèle à l’œuvre d’origine, tout en s’en éloignant un peu pour permettre quelques libertés d’interprétations, mais pas trop : question de dosage encore une fois. En cela, pas de soucis, les scénaristes de la série ont suivi cette règle à la lettre (au bénéfice de Joe et du spectateur d’ailleurs). J’en veux pour preuve l’ajout de certains personnages comme par exemple le petit Paco, voisin de notre gentleman psychotique. Paco, une dizaine d’années au compteur, c’est la caution humanité de Joe Goldberg qui s’occupe de lui comme le ferait n’importe quel grand-frère ou oncle sain d’esprit et je trouve que c’est une bonne chose. Le retrait de certains autres aussi parce que cela permet de ne pas surcharger la série avec des informations potentiellement inutiles.

Cependant, j’ai quand même beaucoup de mal avec cette tendance qu’a la série à faire des raccourcis à tord et à travers (par rapport au livre) ; limite et contrainte de temps pour chaque épisode ? J’entends et je comprends bien… Seulement ce procédé laisse des trous dans le scénario et la trame principale de l’intrigue et vous êtes bien obligés de les combler ces trous, si vous voulez que l’ensemble tienne la route, quitte à trop s’éloigner de l’œuvre d’origine. Et j’ai précisément des doutes sur comment « reboucher les trous ». Le pire pour cette série qui a pourtant de belles qualités, ce serait que les scénaristes fassent exactement cela dans le but de plaire à une plus large audience. Il faut un retour sur investissement oui, mais à quel prix ?…

Bien sûr je n’ai pas la prétention de répondre à cette question ici, dans cet article, et chacun se fera sa propre opinion mais c’est parfois dommage de gâcher les choses qui avaient pourtant bien commencées et qui sont parfois jolies.

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Parce que oui, esthétiquement parlant, j’ai trouvé qu’il y avait quelque chose dans le traitement de l’image et de la lumière. Je n’irai pas jusqu’à qualifier l’ensemble de beau ou de splendide mais You possède sa propre identité à ce niveau : il se dégage une atmosphère à la fois charmante et rassurante (à l’image de Beck) et son exact opposé l’instant d’après ou l’épisode suivant. Cette dualité nous plonge en immersion totale dans la tête de Joe. L’image et la lumière ne sont évidemment pas le seul accès à l’esprit tourmenté de Joe puisque c’est sa voix en off qui nous guide d’épisode en épisode, exactement comme dans le livre.

Concernant les acteurs, je n’ai pas grand-chose à en dire puisque je ne les connaissais pas, sauf Shay Mitchell que j’avais vu dans Pretty Little Liars à l’époque. J’ai donc pu découvrir Penn Badgley (oui, oui je sais Gossip Girl mais non je n’ai pas regardé cette série et je ne m’en porte pas plus mal) et Elizabeth Lail (que j’aurais pu découvrir dans Once Upon a Time mais ce n’est pas de ma faute si j’ai décroché au bout de trois saisons – elle arrive dans la quatrième saison). J’imagine que le casting a été le bon étant donné que l’on rentre assez bien dans l’histoire et aisément dans la tête de ce cher Joe.

Alors, livre ou série ?

L’adage veut que le diable soit dans les détails, et malgré des différences de l’ordre du détail parfois, pour une fois je vais pencher du côté de la série, chose plutôt rare me concernant. Ce choix se justifie avec toutes les raisons précédemment évoquée ; ce qui ne m’empêche d’être dans l’expectative quant à la suite qu’ils vont lui donner, en espérant que cela ne dégénère en foire où l’on retrouverait vaguement les personnages (ceux qui sont toujours de ce monde) et l’intrigue voulue par l’auteur elle-même.

Pour le livre, il est intéressant à lire, mais il vaut mieux commencer par la série : Joe y apparait un tout petit peu plus doux par rapport à son jumeau de papier. D’une manière plus générale, Parfaite n’a sans doute pas l’intrigue parfaite mais néanmoins, Caroline Kepnes a réalisé un de mes vieux rêves littéraires : le méchant gagne à la fin… et rétrospectivement, je ne sais pas si c’est une bonne chose qu’elle ait mis un terme à ce vieux fantasme, de cette façon.

A noter qu’il existe bien une suite sur le plan littéraire : le livre en question a pour titre Hidden Bodies et a été publié en 2016. Il n’existe pas de traduction française à ce jour (à ma connaissance)

Cinéma

Comme un poisson dans l’eau

Il y a quelques jours j’ai été voir Aquaman de James Wan, sorti il y a déjà quelques semaines. J’avais été très enthousiaste à la sortie de la bande-annonce et le film ne m’a déçue. Cela étant, il ne m’a conquise non plus. Bon film mais sans plus – je vous livre mon ressenti détaillé.

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L’Atlantide se cherche un nouveau Roi, trouve un héros.

Le film relate donc l’histoire d’Arthur Curry alias Aquaman, son existence partagée entre deux mondes : celui de la Surface, où il a grandit avec son père, gardien de phare et celui de sa mère, sous-marin et qu’il ne connait qu’au travers des récits légendaires qu’on lui en a fait. Jusque-là tout va bien dans le meilleur des mondes, cependant la situation ne dure pas et lorsque Orm, le demi-frère d’Arthur, pète un câble et décide de déclencher une guerre avec le monde de la Surface pour sécuriser sa place sur le trône atlante. Afin de protéger la terre et les océans, Arthur n’a d’autres choix que de partir en quête du légendaire trident du Roi Atlan, premier Roi de l’Atlantide, alors capitale prospère d’un Royaume vaste et unifié. Rajoutez à cela une quête personnelle d’identité et d’appartenance et vous obtenez le film de James Wan.

Un schéma classique

Le schéma classique du film de super-héros en somme : le protagoniste principal écartelé entre deux mondes qui a du mal à accepter une partie de son héritage, les conflits familiaux avec le demi-frère ou la demi-sœur (il ne fait pas bon être une famille recomposée dans les films de super-héros), la belle à sauver et/ou à protéger, bien qu’elle ne soit pas en détresse et les super-méchants qui ont un rôle ben… de super-méchant avec tout ce que ça implique ! Sans oublier le traditionnel Happy Ending et ça, c’est très important dans un film de super-héros.

Aquaman c’est ça, ni plus ni moins. D’ailleurs je n’ai rien à lui reprocher de ce côté-là puisque c’est ce pourquoi j’y suis allée et totalement ce à quoi je m’attendais. Donc pas de surprise, pas de déception et puis mes motivations se résumaient ainsi : Jason Momoa. Oui, je fais partie de ces filles qui, dès qu’on leur montre un gars un peu musclé, un peu beau gosse (si tant est que l’on s’accorde sur la définition), ne répondent plus et ont parfois des réactions pour le moins étranges. Heureusement ce qui me rassure, c’est que je ne suis pas la seule dans ce cas… Se rincer l’œil une fois de temps en temps ne fait pas de mal !

Cependant, même si les films estampillés DC Comics sont bien meilleurs depuis un certain temps, ils sont encore loin du compte pour pouvoir espérer égaler Marvel Studios et quelques un de ses meilleurs Blockbusters (je pense notamment à Black Panther). Cela se vérifie encore une fois avec Aquaman que j’ai trouvé trop long – d’ailleurs un couple est parti avant la fin de la projection – et assez inégal au niveau du rythme. Sans oublier que l’enchainement des effets spéciaux m’a donné mal à la tête.

Néanmoins, j’ai passé un bon moment et je suis contente de l’avoir vu au cinéma. Puis c’est toujours un plaisir de voir Willem Dafoe et Nicole Kidman à l’écran.

Cinéma

Soupe à la Guimauve !

Etant donné que l’Esprit de Noël présent semble vouloir jouer les prolongations et qu’il a neigé à gros flocons sur Lyon ce matin, j’ai décidé d’aller passer ma journée au cinéma et j’ai été voir non pas un mais deux films : Le retour de Mary Poppins et Aquaman. Une semaine de plus, et je pense que je les aurais loupés tous les deux ; évidemment et pour plus de clarté, je détaillerai mon ressenti sur chaque film dans un article séparé. Commençons donc par le Retour de Mary Poppins signé Rob Marshall, toujours d’après l’œuvre de Pamela L. Travers.

Un film inégal avec malgré tout de bonnes surprises

Je ne pensais vraiment pas dire ça un jour, encore moins l’écrire noir sur blanc mais il faut reconnaitre que j’ai passé un bon moment seule dans ma salle. C’est un assez bon film… pour une suite Disney dont le titre n’est autre que : Le retour de Mary Poppins. Cependant, cela reste la suite d’une franchise mondialement connue et appréciée et malheureusement je cherche encore le morceau de sucre qui aide la médecine à couler.

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Est-ce que c’était mieux avant ?

Je crois qu’on peut légitimement se poser la question. Néanmoins, il me semble qu’une réponse tranchée à ce sujet, ce serait faire preuve d’ignorance et surtout de mépris vis-à-vis du film et de tout le travail qu’il y a pu y avoir derrière ; c’est facile pour un spectateur de critiquer avec la fameuse locution « c’était mieux avant » ou tout autre chose dans le même genre, il a le produit fini entre les mains ou plutôt sous les yeux devrai-je dire… mais les acteurs et tout le staff derrière avec les différentes équipes ont fourni un travail monstrueux et dire « c’était mieux avant » c’est justement ne pas respecter ce travail. On ne vous demande pas d’aller voir un film si n’en avez strictement rien à faire ou pas envie !

Quant à répondre oui ou non à cette question, c’est compliqué. Je me souviens lors des premières images aperçues sur Internet m’être insurgée contre ce que je considérais être une insulte à mon enfance, m’être dit que jamais je n’irais voir cette suite, ce « navet annoncé ». (Je me cite) Quelques mois plus tard, je me retrouve quasiment à défendre le film. Tout arrive un jour je suppose… mais c’est surtout parce que le film a des arguments à faire valoir. Cependant, avant de revenir sur les arguments de cette suite, je voudrais d’abord revenir sur les points qui étayent la thèse du « C’était mieux avant ».

  • Julie Andrews. Bien qu’Emily Blunt campe une Mary Poppins convenable et tienne la route tout au long du film, c’est difficile de passer après quelqu’un comme Julie Andrews ; pour moi, Emily Blunt manquait de douceur et était un peu trop sèche avec les Banks, qu’ils soient adultes ou enfants. Résultat : Mary Poppins n’attire pas spontanément la sympathie vers elle alors qu’elle est censée être cette nounou que tout le monde rêve ou a rêvé d’avoir.
  • Les effets spéciaux. Pas parce qu’il y en a ou parce qu’ils sont mal fait (ce n’est pas le cas), mais justement à cause de l’époque ; c’est tellement normal d’en avoir de nos jours qu’on ne se pose pas la question de savoir comment mais plutôt en quelle quantité et à quel moment. A l’inverse en 1956, tout la question était de savoir comment – comment faire plonger quatre personnes dans un dessin de rue ? Elle était là, la magie.
  • Les chansons. Pour ce point, je suis très partagée en réalité. La petite fille que j’étais à 6 ans crie au scandale, cherche son morceau de sucre, veut ranger sa chambre en claquant des doigts et regrette infiniment que le film n’est fait aucune mention d’un certain mot magique commençant par la lettre S…

… mais en même temps, je suis bien forcée de constater que certaines de ces nouvelles chansons m’ont plu, sans doute pas au point de les chanter à tue-tête par la suite ni non plus de les avoir dans la tête pendant plusieurs jours, néanmoins certaines ont parlé à mon âme d’enfant et m’ont aidé à apprécié ce film à sa juste valeur. Oui, j’admets : j’ai lâcher prise (un peu) et j’ai trouvé des points positifs à ce retour :

  • Les enfants Banks. Annabel, John et le petit Georgie Banks ; je me suis attachée à eux parce qu’il le sont vraiment, attachants. Je les ai suivi avec plaisir dans leurs folles aventures et pour le coup, je suis sortie du ciné en me disant que ses trois enfants-là avaient réellement mérités d’avoir croisé la route de la nounou fantasque et fantastique qu’est Mary Poppins alors que pour Jane et Michael, c’était plus un caprice d’enfants pourri-gâtés.
  • Avoir Lin-Manuel Miranda, Meryl Streep, Colin Firth, Julie Walters, Ben Whishaw et Angela Lansbury dans un même film, on ne dit pas non. Jamais. Plus sérieusement, tous ces acteurs sont géniaux et s’acquittent à merveille de leurs rôles. Les prestations de Meryl Streep en cousine déglinguée et fantasque de Mary Poppins, de Colin Firth en grand méchant et d’Angela Lansbury valent le coup d’œil, même s’il est certain que les doublures ne sont jamais bien loin lorsqu’il est question de dance et de chorégraphies…
  • Les chorégraphies parlons-en justement. Elles sont techniques et très travaillées : elles apportent un véritable cachet au long-métrage. Des chansons et des danses, c’est ce qu’on attend d’un film où il est question de Mary Poppins même s’il est certain que toutes les danses n’ont pas été réalisées par les acteurs eux-mêmes et sur ce point, Le retour de Mary Poppins est au rendez-vous. Il y a quelque chose de très Fred Astaire dans certaines et c’est juste époustouflant et beau à regarder. C’est indéniablement un des points forts de ce film !
  • Le deuxième point fort du film, et non des moindres, c’est qu’il respecte son prédécesseur en s’inscrivant dans sa lignée par le biais de clins d’œil plus ou moins appuyés ; peut-être qu’il y en a trop, je n’en sais rien mais en tout cas, on sent qu’il y a eu la volonté de ne froisser personne parmi ceux qui auraient eu des doutes légitimes quant au pourquoi de ce film. Je ne vais pas tous les énumérer mais il y en a dans la musique, dans les personnages (on retrouve Dick Van Dyke et Karen Dotrice) ou bien les situations et ces clins d’œil sont autant de marqueurs pour vous rappeler que Mary Poppins ne vous a pas oublié mais que vous avez fait comme Jane et Michael, vous avez grandi.

 

Conclusion

Au premier coup d’œil le sirop est amer et le morceau de sucre semble avoir disparu mais il se pourrait bien que ce ne soit pas tout à fait le cas. Bien sûr, certains personnages sont maladroitement campés, notamment Mary Poppins (malheureusement et c’est un comble) et Jane Banks (un peu trop nunuche à mon goût) et la magie des premières fois n’est plus qu’un souvenir pour celles et ceux qui chérissent le Mary Poppins de 1956. Néanmoins, il serait injuste de lyncher ce film au prétexte du « mais c’était mieux avant » parce qu’il a quelques qualités et arguments à faire valoir. Comme le dit une chanson du film Méfiez-vous des apparences, ce film pourrait peut-être vous surprendre… Donc si vous ne lui avez pas laissé sa chance sur grand écran, peut-être qu’après la lecture de cet article, vous lui laisserez sa chance sur petit écran ?…

 

Littérature

[Contemporain] Legendary (Caraval – Tome 2)

J’avais écrit un article pour le premier tome de Caraval, livre que j’avais littéralement dévoré lorsque j’avais mis la main dessus. Depuis la Saga Harry Potter, aucun livre n’a suscité mon intérêt et mon enthousiasme autant que cette série. J’ai retenu deux choses de ma lecture de la suite des aventures des sœurs Dragna, Scarlet et Donatella : la première c’est que mon article sur le premier tome ne rend pas tellement justice à l’ouvrage parce que je suis restée trop vague et la deuxième c’est que malheureusement, j’en veux encore et qu’il va falloir attendre…

La magie continue d’opérer

Si vous avez aimé le premier tome, Caraval, je pense sans me mouiller que vous aimerez cette suite, ô combien haletante et bien plus sombre que le premier volume. Stéphanie Garber nous emmène dans un voyage onirique sur les traces de la mère des deux héroïnes mais également sur les traces de Légende, Maitre du jeu de Caraval, toujours aussi insaisissable qu’un courant d’air.

Pour être franche, j’avais un peu peur de ne pas accrocher à cet opus. J’avais tellement adoré le premier, j’avais tellement été transportée dans un autre monde, un monde extraordinaire que j’avais peur que la suite ne soit pas à la hauteur de mes attentes. Et finalement, malgré un début et une première partie un peu trop poussive à mon goût, la magie de Caraval continue d’opérer. Pour mon plus grand bonheur !

Nous retrouvons donc Scarlet et Donatella où nous les avions laissées lors du tome 1, à la différence que cette fois, c’est bien Donatella « Tella » Dragna qui se trouve être au centre de l’aventure. En effet, la jeune fille s’est lancée dans une quête aussi belle que désespérée : la recherche de sa mère, disparue depuis des années sans laisser de traces. Pour se faire, elle se voit dans l’obligation de participer à la nouvelle édition de Caraval, qui se déroule à Valenda à l’occasion du 75ème anniversaire de l’impératrice Elantine. Nouveau jeu, nouvelles règles. C’est tout ce que je peux vous dire concernant l’intrigue sans prendre le risque de vous la dévoiler.

Une suite très satisfaisante

De mon point de vue, Legendary avait autant de chance d’être un échec qu’une réussite flamboyante. Le début était un peu maladroit mais nécessaire quand même pour planter un des éléments centraux de cette nouvelle histoire ; et puis j’ai eu plus de mal à m’attacher à Tella, trop indépendante avec des idées beaucoup trop tranchées pour éprouver de l’empathie pour elle. Sauf que, sauf que… comme tous les meilleurs personnages de roman, Donatella évolue et n’hésite pas à se remettre en question afin de poursuivre l’aventure et heureusement pour elle et le lecteur.

C’est d’ailleurs toute la force de ce personnage qui me parait bien plus complexe et intéressant que sa sœur, rétrospectivement. Sans oublier le personnage de Légende bien sûr. Son ombre plane tout au long du roman jusqu’à devenir réelle et bien palpable à la fin du livre… On pourrait croire qu’avec l’apparition tangible de Légende, l’intrigue trouverait son dénouement de façon logique mais cette révélation ne fait qu’ajouter une dimension supplémentaire au mystère qui l’entoure. Stéphanie Garber aime mener ses lecteurs en bateau. Elle est passée maitre dans l’élaboration d’intrigues complexes et j’en redemanderai jusqu’à la fin de cette série absolument captivante et génialissime. Si j’osais le jeu de mot, je vous dirai que Legendary est légendaire …

Je vous la recommande vivement !

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Vous pouvez relire mon article sur Caraval ici.

Ps : une relecture du premier tome est fortement conseillée.

Cinéma

Pourquoi se contenter d’un seul Spider-Man, quand on peut en avoir plusieurs ?

Petite séance cinéma hier après-midi pour Spider-Man : New Generation de Peter Ramsey, Bob Persichetti et Rodney Rothman. Et autant de société de production… Enfin en même temps, c’est tout à fait logique : ce film d’animation a dû disposer d’un budget colossal pour être réalisé donc faire appel à trois société de production au lieu d’une, c’est normal et le résultat final vaut la peine. De quoi vous permettre de faire la paix avec le célèbre tisseur de toile.

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SpiderMan est mort ! Vive SpiderMan !

Si vous êtes comme moi et que vous aimez les Comics et Super-héros de Marvel, vous appréciez sans doute Spider-Man. C’est mon cas, sauf que je commençais à faire une légère indigestion de Peter Parker… Avec trois incarnations (plus ou moins réussies d’ailleurs), je crois qu’on peut affirmer connaitre l’histoire du jeune journaliste sur le bout des doigts : l’araignée radioactive, MJ, Oncle Ben, un grand pouvoir… et j’en passe. Mais vous avez saisi l’idée. C’est alors qu’arrive le jeune Miles Morales pour dépoussiérer tout ça et enfin se faire connaitre du grand public. Il était temps (et ça décoiffe) !

Synopsis

Brooklyn, New-York – Terre 616* – Miles Morales est un ado comme tout le monde dont le père est flic et la mère infirmière, et comme beaucoup d’ado ses relations avec son père sont tendues, d’autant que le jeune homme aime beaucoup repeindre les murs de New-York avec son oncle Aaron, aidé de bombes de peinture. Activité pas très, très légale du point de vue policier… Bref, une vie d’ado normale avec ses problèmes d’ado. Enfin ça, c’était avant une certaine araignée radioactive… et le Caïd qui semble bien décidé à anéantir Spider-Man une bonne fois pour tout pour mener à bien le projet qui l’anime et qui risque de mettre en péril le reste de l’humanité. Miles pourra alors compter sur l’aide précieuse de cinq homologues venus d’univers différents pour lui prêter main forte dans sa lutte contre le Caïd.

Un pari osé mais réussi pour un renouvellement brillant et mérité !

C’est rare de voir un film aussi long (environ 2h) de cette qualité ! C’est un plaisir autant pour les yeux que pour les oreilles : les différents rap qui accompagnent l’histoire sont juste parfaits. En ce qui concerne le dessin, c’est un mélange de réalisations 3D et 2D ; de prime abord, on pourrait penser que le mélange des deux ne donnerait pas un résultat satisfaisant mais c’est tout le contraire. La 2D rappelle l’univers de la bande-dessinée par petite touches savamment disposées pour éviter un sentiment de lourdeur que l’on s’attend forcément un peu à trouver sur un film de 2h.

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En réalité, on ne s’ennuie pas une seconde : c’est rythmé, dynamique… Il y a de l’humour et chaque Spider-Man a son type d’humour et c’est génial de leur avoir attribué une personnalité propre sans en faire des copier/coller du super-héros d’origine plus ou moins réussis. Et puis évidemment, puisque Spider-Man meurt pour laisser la place à un autre Spider-Man, il est question de filiation et de transmission tout au long du film et ces questions sont très bien abordées et traitées.

Conclusion

Un film dynamique de par son rythme qui va à 100 à l’heure (heureusement pour un film de super-héros) et par son parti-pris graphique mélangeant à la fois la 3D et 2D pour renforcer sa profondeur puisqu’il faut allier le monde moderne et le monde passé. Spider-Man : New Generation est ambitieux mais relève haut la main le défi de faire découvrir l’univers classique de Spider-Man tout en y incorporant la mécanique complexe et compliquée des univers parallèles. Une réussite à voir absolument !

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* : La Terre 616 fait référence à notre réalité dans les comics ou dans les films