Littérature

[Contemporain] L’école de la nuit – Deborah Harkness

J’ai lu L’Ecole de la nuit quasiment dans la foulée du premier tome, entre juin et juillet. J’ai cependant tardé à écrire le brouillon, raison pour laquelle l’article n’arrive que maintenant. Le moins que l’on puisse dire, c’est que cette suite m’a beaucoup surprise, et dans le bon sens du terme.

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L’école de la nuit, une suite très ambitieuse

Nous retrouvons donc nos héros, Diana Bishop et Matthew Clairmont, là où nous les avions laissés avec le projet de ce rendre dans le passé pour échapper à la Congrégation qui ne voit pas d’un très bon œil cette relation amoureuse entre les deux créatures. L’occasion pour Deborah Harkness de s’amuser un peu avec l’Histoire… C’est ainsi que l’on retrouve Diana et Matthew en 1592, en pleine Ere Elisabéthaine, afin d’espérer pouvoir mettre la main sur le livre perdu des sortilèges dans sa version d’origine et donc complète. Sur le papier le plan est d’une simplicité enfantine : localiser puis récupérer l’ouvrage pour le mettre en sureté dans le présent du XXIème siècle. Sauf qu’évidemment, comme toujours avec les plans trop simples, les complications ne tardent pas à arriver…

Je vais être honnête, j’ai trouvé ce deuxième tome un peu long à démarrer à cause des considérations pratiques qu’entrainent ce voyage temporel. Cependant, sans cette partie sur l’acclimatation et la vie domestique du couple dans cette nouvelle époque, il aurait été impossible de terminer le livre qui compte plus de 900 pages. Heureusement, la situation se décante relativement rapidement et le lecteur est embarqué dans cette nouvelle aventure palpitante.

Encore une fois, comme pour le précédent tome, tout est logique et étonnamment simple à comprendre alors qu’il est question de voyage dans le temps et de ses répercussions dans le présent de Diana et Matthew. D’ailleurs, les paradoxes temporels n’existent pas dans cet univers, ou du moins pas dans la forme qu’on leur connait habituellement. Je ne vais pas me lancer dans des explications détaillées sans quoi cet article deviendrait beaucoup trop long mais pour faire simple : le Matthew Clairmont du XXIème siècle remplace temporairement sa « version » du XVI, le temps de son séjour avec Diana. Quant au reste, je ne peux que vous encourager à lire le livre !

Venons-en maintenant aux différents points forts de cet opus, et ils sont assez nombreux ; ce qui m’a donné du fil à retordre dans l’écriture de cet article soit dit en passant… J’ai eu du mal à savoir par où commencer mais en premier lieu je dirais une chose toute bête et pourtant capitale dans l’écriture d’un roman :

  •  Le plaisir qu’a eu Deborah Harkness à écrire son livre. On sent le plaisir qu’elle a eu à l’écrire parce qu’elle s’amuse, avec la complicité du lecteur, à détourner certains faits historiques (qu’ils soient minimes ou de plus grande importance). Deborah Harkness s’est appropriée les faits et les personnages historiques de façon tout à fait brillante, tout en veillant à les intégrer de manière cohérente à l’histoire qu’elle voulait raconter. D’où l’apparente simplicité de l’intrigue. Au risque de me répéter et de vous saouler, mais les évènements s’enchainent logiquement et tout tombe sous le sens. Néanmoins je garde à l’esprit que certains « faits » ne sont ni plus ni moins que des interprétations de suppositions faites par des historiens de métier et qui servent l’intrigue ou l’atmosphère du roman.
  • C’est le deuxième point fort justement ; ce tome est beaucoup plus sombre et inquiétant. Cela s’explique par l’époque dans laquelle se déroule l’histoire, propice à l’espionnage et aux intrigues de cour. Les descriptions sont faites toute en finesse et glace parfois le sang, ce qui offre une ambiance immersive au lecteur qui assiste à une véritable partie d’échecs entre les deux camps qui s’affrontent pour retrouver l’Ashmole 782.
  • Un tout petit mot enfin, sur les personnages secondaires. Ils sont tous très réussis parce qu’ils sont suffisamment complexes pour être intéressants en eux-mêmes, sans être de simples faire-valoir de Matthew et/ou Diana. Bien sûr, ils y a quelques exceptions mais rien de bien grave.

Conclusion

Si vous avez aimé le premier volume des aventures de Diana Bishop et de son compagnon, il y a de grandes chances que vous aimiez celui-ci également. Bien qu’il est du mal à se lancer, ce deuxième tome parvient à tenir toutes ses promesses dans une ambiance plus lourde, feutrée et sombres où les enjeux sont encore plus élevés. Deborah Harkness maitrise son sujet sur le bout des doigts, ce qui lui permet de s’amuser avec en emmenant le lecteur dans son monde. Bref, L’Ecole de la nuit est une réussite !

Cinéma

Diamonds are a girl’s best friend

Un des meilleurs endroits pour lutter contre la chaleur et survivre à la canicule, c’est le cinéma. Hier, j’étais partie pour aller voir Yesterday mais une fois sur place, j’ai finalement opté pour Le coup du siècle (The Hustle en VO) de Chris Addison avec Anne Hathaway et Rebel Wilson. Je crois que j’ai gagné au change étant donné que ce film est une bonne surprise.

J’avais vu passer plusieurs fois la bande annonce au cours des mois précédents et il faut bien dire que j’étais septique et méfiante vis-à-vis de celle-ci : j’avais peur qu’il y est tout dans la bande annonce et rien de plus dans le film, mais heureusement pour moi, je me suis trompée et il s’avère que Le coup du siècle est bien plus que sa bande annonce. Bien sûr, il ne s’agit pas d’un chef d’œuvre du genre mais cette comédie remplit sa mission de divertissement sans promettre d’avantage. Je n’en demandais pas plus pour un film de l’été de toute façon.

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 Le film raconte l’histoire de Penny, qui gagne plus ou moins sa vie en effectuant des petits larcins sur Internet. Ces larcins peuvent se résumer à cela : plumer les hommes qui se montrent un peu trop crédules. Tout va bien pour Penny dans le meilleur des mondes jusqu’à ce que la jeune femme échappe de peu à la Police… Penny décide donc de changer d’air et de cible pour éprouver ses mensonges et améliorer sa technique… tout cela sur d’autres pigeons crédules (et riches !). C’est ainsi qu’elle débarque à Beaumont-sur-mer pleine d’espoir et d’enthousiasme, mais Penny ignore que la ville est en réalité le territoire de chasse de Jo qui fait exactement la même chose qu’elle, le côté pro et glamour en plus. Les deux femmes vont alors rentrer en compétition pour savoir laquelle des deux est la meilleure escroc et pour y parvenir, l’une des deux doit impérativement réussir le coup du siècle sur la cible choisie par Jo…

Je vous l’accorde bien volontiers, l’histoire n’est pas folle mais le film vaut le coup d’œil. La dynamique entre Rebel Wilson et Anne Hathaway est excellente et fait tout le sel de l’histoire… Sans oublier la présence d’un retournement de situation assez savoureux et totalement inattendu, un peu comme un coup de poker finalement.

Cette fin renforce un scénario déjà bien construit, et c’est appréciable de savoir que l’on peut encore faire des films simples mais de qualité. Le seul bémol s’il en est un, c’est que le film a des airs du Diable s’habille en Prada par certains moment et que les personnages sont plus ou moins des stéréotypes ambulants. Cela dit, c’est une comédie et les stéréotypes sont là pour faire rire du fait de l’exagération de certains traits ; de plus, ils démontrent la simplicité que j’évoquais en début de paragraphe et pour le coup ce n’est pas gênant d’être confronté à ces stéréotypes pour ces deux raisons. D’autant que le film n’est pas dénué de fond et c’est bien connu, l’humour permet de faire passer des messages importants plus facilement parce qu’on en rit d’abord. Je pense notamment à ce joli message sur l’apparence physique qui m’a beaucoup plu et que j’ai trouvé très pertinent.

Conclusion

Je ne peux que vous encourager à voir ce film si vous aimez les films du genre et si vous en avez l’occasion. C’est une bonne comédie autant dans la forme que sur le fond avec des sujets importants abordés de façon détournée, garanti sans prise de tête avec un duo d’excellentes actrices qui porte le film grâce à une dynamique parfaite entre les deux. Enfin, malgré sa simplicité, le scénario le scénario offre quelques belles surprises. Bref, Le coup du siècle est le cocktail idéal pour passer un bel été !

Bon visionnage, à très vite.

Cinéma

Lord of the Dance

Mes goûts musicaux et cinématographiques sont très variés et à première vue, il n’y a pas tellement de rapport entre les deux. Sauf que pour ce film précis, il y a effectivement un rapport entre les deux puisqu’il s’agit d’un biopic sur Rudolf Noureev, célèbre danseur étoile russe. Noureev, réalisé par l’excellent Ralph Fiennes, est l’occasion parfaite d’évoquer mon grand intérêt pour la musique classique et les ballets classiques tout en parlant d’un film que je voulais absolument voir et que j’avais toutes les chances de rater, à cause de son étiquette ‘Film indé’…

Le Corbeau blanc

Avant d’être le titre du film dans sa version originale, c’était un des surnoms de Rudolf Noureev, danseur étoile et chorégraphe à l’Opéra de Paris (entre autre). Un corbeau blanc désigne quelqu’un qui ne rentre pas dans la norme ou qui refuse de s’y conformer. C’était le titre parfait pour ce film sur un des danseurs les plus talentueux, avant-gardiste mais aussi incroyablement subversif de son temps. On est bien loin des blockbusters du genre Marvel ou les films dits ‘grand public’…

J’ai plutôt bien aimé, même si je crois qu’en fait, j’aurais préféré regarder un documentaire sur le sujet. Le film donc, retrace la vie de Rudolf Noureev en se focalisant plus précisément sur l’année 1961, année durant laquelle le danseur se rend en Europe de l’Ouest avec la troupe de Ballet du Kirov pour une série de représentations et se retrouve à demander l’asile politique afin de pouvoir danser (et vivre) en toute liberté. Malheureusement, si Rudolf Noureev était génial, le film qui lui est consacré est dans la moyenne : c’est un bon film mais sans plus, rien d’extraordinaire. Néanmoins, ce film possède des points forts qu’il est important de noter.

Ainsi, on peut noter que le casting est international et c’est réellement un plus étant donné que l’histoire se passe entre l’URSS et Paris ; ensuite il y a l’atmosphère très réussie des années 60 et aussi contre-espionnage sur fond de danse classique, et puisqu’on parle de classique n’oublions pas la musique et les costumes évidemment.

En ce qui concerne le casting et les acteurs, pas de fausses notes bien que j’ai quelques doutes sur l’existence de Clara Saint, interprété justement par Adèle Exarchopoulos mais je ne suis pas une spécialiste de la vie d’André Malraux. Au moins, si Clara Saint n’a pas existé, l’actrice aura eu le mérite de rendre le personnage crédible. Pour le reste du casting, rien à signaler si ce n’est que Oleg Ivenko crève l’écran dans le rôle titre et que l’accent russe de Ralph Fiennes est quasiment parfait. Quand on sait que j’ai vu le film en VO et que l’acteur est britannique, c’est assez bluffant !

Ensuite, il y a cette atmosphère des années 60 si bien retranscrite à l’écran. C’est le gros point fort de ce long métrage selon moi. Le spectateur ressent la tension quasi-permanente dans laquelle est plongé le danseur à cause de la situation géopolitique de l’époque. Cette tension atteint son paroxysme avec cette scène à l’aéroport où la confrontation idéologique entre le bloc de l’Ouest et celui de l’Est manque de dégénérer de peu et devenir physique. A mon sens, c’est d’ailleurs la scène la plus marquante du film.

Enfin, un mot sur les costumes et la musique qui sont sublimes. Je suppose que la musique est tirée des ballets pour les parties dansées mais je n’ai reconnu aucun morceau bien qu’ils me fussent étrangement familiers à l’oreille… Au niveau des costumes, certains m’ont rappelés des pièces exposées au Centre National du Costume de scène à Moulins, lequel dispose d’une collection de costumes portés par le danseur. Petite parenthèse : cette exposition peut s’admirer toute l’année.

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En dépit de ces réussites, ce film comporte malheureusement des faiblesses importantes qui empêchent le spectateur d’apprécier pleinement l’histoire. Les faiblesses de ce long métrage résident dans les choix narratifs du réalisateur. La première chose que l’on remarque, c’est l’esthétisme et le travail apporté à certaines images avec des plans rapprochés sous un angle qui fait immédiatement penser à un film d’auteur. Je pense notamment à tous les plans où il y a un focus sur les corps sculptés ou peints que Noureev observe avec une attention presque chirurgicale. Rien de dérangeant en soi mais honnêtement cela plombe un peu le rythme du film, en plus de ne pas apporter grand-chose à l’histoire. D’autant plus que le rythme change parfois brusquement et cela peut devenir un problème pour le spectateur qui s’y perd et ne sait plus sur quel pied danser…

Cela s’explique en grande partie par le choix d’une chronologie non-linéaire avec la présence de multiples flashbacks sur l’enfance de Noureev tout au long de l’histoire. Ces derniers permettent d’éclairer le présent du danseur dans le film. Si je devais résumer, les bonnes idées de ce film sont largement plombées par le faux rythme beaucoup trop lent de l’histoire. A croire que le réalisateur a voulu exclure volontairement une partie du public intéressé par Rudolf Noureev et la danse classique afin de pouvoir faire entrer son film dans la case Indépendants et c’est un peu dommage.

Conclusion

C’est le troisième long métrage de l’acteur britannique Ralph Fiennes et si le sujet et la période sont captivants, on ne peut malheureusement pas en dire autant du film. Un documentaire aurait sans doute été plus pertinent et plus simple à réaliser, en terme de narration. Noureev se veut intellectuel et élitiste quand Rudolf Noureev est parvenu à démocratiser la danse classique à travers une plus grande liberté dans les mouvements. Cependant tout n’est pas à mettre à la poubelle puisque le jeu des acteurs y est éblouissant, de même que la musique et les costumes. Au final, je regrette surtout que ce film n’est pas été à la hauteur du Seigneur de la danse et de son génie, même si le film se laisse regarder.

Cinéma

Along came a spider…

La semaine dernière (mercredi dernier plus précisément), j’ai été voir Spiderman: Far From Home réalisé par Jon Watts. Ce dernier n’en est pas à son coup d’essai avec Spiderman puisqu’il avait déjà réalisé Homecoming qui était très réussi disons-le. En ce qui concerne Far From Home, le résultat est plus en demi-teinte pour plusieurs raisons liées plus ou moins au contexte général du film puisqu’il se place directement à la suite d’Avengers Endgame, réalisé par les frères Russo et sorti plus tôt cette année.

La fan du Marvel Cinematic Universe (Univers cinématographique Marvel en français, abrégé en MCU) que je suis avait de grosses attentes concernant les nouvelles aventures de l’araignée sympa du quartier, d’une part parce que j’avais beaucoup, beaucoup aimé le premier volet et d’autre part parce que Avengers Endgame avait placé la barre tellement haute avec de nombreux petits indices çà et là que j’espérais secrètement que Spiderman: Far From Home fasse au moins aussi bien, tout en sachant qu’il serait très dur, voire impossible, de rivaliser avec Endgame de tout façon.

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De ce point de vue, pas de surprise le film est effectivement et évidemment en dessous de Avengers Endgame mais pour moi, la déception s’est faite sentir à un autre niveau : j’ai trouvé que Far From Home était moins bien que son prédécesseur Homecoming. Cependant tout n’est pas mauvais dans ce film, loin de là, mais il y a des éléments qui auraient mérités que l’on s’y attarde un peu plus ou faits différemment selon moi. Bien entendu, vous avez le droit de ne pas être d’accord.

En fait, il y a deux choses que je n’ai pas trop aimé dans ce film. La première c’est le personnage de Mysterio lui-même. Je m’attendais à autre chose le concernant, non pas qu’il soit mal interprété ou pas fidèle à l’image que je me faisais de lui dans les comics, mais j’ai trouvé que sa véritable nature était révélée rapidement alors que l’idée d’en faire un allié à Spiderman était très bien pensée et pour le coup bienvenue. L’idée aurait méritée d’être creusée un peu plus ou du moins, de tenir un peu plus longtemps dans la durée parce que j’aurais aimé voir où cela aurait pu conduire Peter mais tant pis.

La seconde chose qui m’a déplu (même si je l’ai trouvé cool en soi), c’est qu’à certains moment du film, le scénario force vraiment sur la relation quasi filiale entre Tony Stark et Peter Parker ; je n’ai pas dit que ce n’était pas cool, au contraire et cela nous évite un énième Oncle Ben, mais par moment je vous jure que c’est redondant et qu’on a juste envie de dire : c’est bon, on a compris que Tony considérait Peter comme son fils (spirituel). A trop vouloir en faire, cela devient contre-productif… Sans oublier la semi déception qui concerne l’intrigue et qui tourne encore une fois un peu trop autour du personnage de Tony Stark.

Néanmoins, je préfère m’attarder sur les points positifs de ce dernier opus qui clôture la phase 3 du MCU.

J’ai énormément apprécié que le film prenne véritablement le temps d’accompagner Peter dans son deuil et ce, tout au long du film. A ce propos, on retrouve l’esprit de la phrase désormais mythique d’Oncle Ben : « un grand pouvoir implique de grandes responsabilités » sans que jamais celle-ci ne soit prononcée. En plus d’être un joli clin d’œil, c’est un détail mais il fait toute la différence et confère au film une atmosphère bienveillante malgré les épreuves à traverser.

Ensuite et c’est lié, l’émotion et l’humour sont bien dosés (ce qui n’est pas toujours le cas chez Marvel). L’humour notamment permet au spectateur de tourner la page Tony Stark en douceur, en lui enlevant le côté tragique et dramatique pour ne garder que le côté émouvant. C’est touchant et je pense que c’est ce qu’il fallait faire.

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En conclusion, Spiderman: Far From Home avait la lourde tâche de sortir après Avengers Endgame et je crois sincèrement qu’il n’aurait pas pu faire mieux. C’était le film qu’il fallait faire : les nouvelles aventures de l’homme-araignée permettent aux spectateurs les plus fan du MCU et aux différents protagonistes de faire leur deuil de Tony Stark et de tourner la page en douceur afin de pouvoir débuter un nouveau grand chapitre, qui je l’espère sera aussi exaltant et intense que celui qui a tenu le spectateur en haleine pendant plus d’une décennie, en plus de faire également le succès des studios Marvel.

Far From Home peut être vu comme le film qui clôture un cycle brillant, mais il doit être également vu comme le film qui débutera une nouvelle ère pour le Marvel Cinematic Universe. Le meilleur exemple pour illustrer cela, c’est bien sûr les deux scènes post-génériques comme Marvel a l’habitude d’en faire désormais. Si le film possède quelques défauts scénaristiques, il n’en est pas dénué de bonnes choses et cela est annonciateur de bonnes surprises pour la suite selon moi.

Reste à voir si, à l’instar du super-héros qu’il incarne, Tom Holland aura les épaules suffisamment solides pour porter lui-même une grande partie de cette nouvelle phase du MCU, bien qu’il ne soit pas seul dans cette aventure. Vous savez ce qu’on dit : un grand pouvoir

Cinéma

Vers l’infini…

Fin juin, je suis allée voir le petit dernier de la franchise Toy Story et je dois dire que j’ai retrouvé Woody, Buzz et les autres avec un plaisir non dissimulé. Petit retour en arrière sur mon ressenti (et mes émotions).

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Avant de commencer, je tiens à préciser que je n’ai pas gardé un souvenir inoubliable du 3 puisque pour moi, une page se tournait avec ce troisième volet : Andy part à l’université et la joyeuse bande de jouet atterrit chez la petite Bonnie. Très honnêtement, cette fin était tout à fait satisfaisante et les équipes auraient très bien pu en rester là.

Seulement voilà, Woody et ses copains sont de retour dans une toute nouvelle aventure haute en couleurs et pleine d’émotions. En fait, c’est d’abord et surtout la curiosité qui m’a poussé vers ce film, sans oublier bien sûr mon souvenir ému du premier Toy Story sorti sur les écrans il y a 24 ans. Prends-toi ça au passage en pleine face ma vieille, c’est ce que je me suis dit en écoutant une interview de Tom Hanks sur le film… mais bref.

Et à chaque fois que la franchise s’étoffe d’une suite, c’est une réussite. D’ailleurs Toy Story 4 ne fait pas exception et confirme la règle. Pour résumer, j’ai adoré. Le film s’adresse autant aux enfants qu’aux adultes qui ont découvert cet univers avec le tout premier opus.

Le célèbre cowboy vit des jours heureux dans la chambre de la petite Bonnie entouré de ses amis. Cependant, c’est bientôt le drame : la fillette rentre en petite section de maternelle et Woody perd son rang de jouet préféré, au profit de Fourchette, mais au lieu de s’en émouvoir, Woody est bien décidé à faire comprendre à Fourchette la chance qu’il a d’être l’ami de Bonnie et ce n’est pas gagné… Fourchette persiste et signe : c’est un déchet non pas un jouet et cela va conduire Woody et ses comparses dans la plus grande aventure qu’ils aient eu à vivre jusqu’à présent, bien loin de leur zone de confort…

C’était génial et j’ai vraiment eu l’impression de retrouver de vieux amis pas vus depuis un bon bout de temps. J’ai beaucoup rigolé et j’ai été aussi très émue. Le traitement des personnages dans ce quatrième volet est extraordinaire et l’évolution des personnages est significative pour chacun. De plus, le film est une ode à l’imagination et à la puissance créatrice des enfants. Le message est touchant.

Aussi, j’ai particulièrement aimé l’importance donnée à Bo qui était plutôt discrète voire effacée dans les précédents films. C’est une bonne chose qu’elle soit mise en avant dans ce film, surtout que le personnage de Bo n’est pas simplement là pour porter un message féministe. Bien sûr le message féministe est là et il ne faut pas lui enlever sa portée évidemment mais en plus de ce message, il y a une autre conception de ce que devrait être la vie d’un jouet. Cette conception est d’ailleurs en totale opposition avec celle de Woody et c’est brillant, preuve supplémentaire que Toy Story sait vivre dans l’ère du temps. C’est rafraichissant et ça fait du bien !

Mentions spéciales pour le clin d’oeil sur la relation qu’entretiennent les adultes avec les poupées, mais aussi : Gaby-Gaby qui fout les frousses dans le magasin d’antiquités, Ducky et Bunny la peluche absolument tordante de la fête foraine ainsi que Duke Caboum et son accent québécois.

Si vous n’y êtes pas encore allés, laissez-vous tenter par les nouvelles aventures de Woody, Buzz, Jessie et les autres, vous ne le regretterez pas. Toy Story est une des rares franchises à s’être toujours réinventée au fil des différents films. Un magnifique retour en enfance tout en magie et en émotions.